Ces mots pourraient expliquer les objectifs d’un musicien en matière de technique d’exploitation pour comprendre la motivation musicale, qu’il s’agisse d’affiner une suggestion de composition ou de raffiner un flux critique nécessaire. Pourtant, ils ont été contactés pour définir les objectifs d’une méthode d’apprentissage sensori-moteur qui utilise une activité douce et une attention dirigée pour augmenter la facilité et la variété de l’activité, améliorer l’adaptabilité et la coordination, et éviter et traiter de nombreuses blessures de surutilisation et de mauvaise utilisation que rencontrent les musiciens.
L’éducation et l’apprentissage du mouvement sont précieux pour le Local de pratique pour musiciens Terrebonne. Toute production de chansons implique le mouvement, et il s’ensuit que le fait de se concentrer sur la façon dont nous nous transférons pour faire des chansons affectera certainement les chansons que nous créons. L’exploration de cette connexion de base peut avoir des effets profonds sur la santé et le bien-être biomécaniques et développer la sensibilité et la puissance dans la fabrication de la musique.
Racines historiques
L’éducation et l’apprentissage somatiques (de l’emploi grec Soma, qui suggère “corps vivant”) peuvent être considérés comme de l’athlétisme qui ne nécessite pas un corps et un esprit différents. Ces enseignants ont partagé des suggestions concernant la pose et le mouvement, qui étaient en désaccord avec les conceptions dominantes dans le ballet intemporel, l’athlétisme, les croyances religieuses et la médecine. En respectant les interruptions de deux guerres mondiales, les cheveux de cette vision commune se sont rassemblés comme les anciens leaders, et de nouvelles approches ont développé des écoles et répandu leur travail. Aujourd’hui, des milliers d’éducateurs pratiquent des approches telles que la reconnaissance sensorielle, la stratégie Alexander, l’assimilation structurelle d’Ida Rolf, la prise de conscience par l’activité de Moshe Feldenkrais, l’assimilation utile, l’Eutonie de Gerda Alexander, l’Aston-Patterning, le Body-Mind Centering, le travail de Trager et d’autres encore. Après avoir examiné quelques fils conducteurs de ces stratégies, nous nous intéresserons aux deux plus utilisées par les musiciens.
Importance du mouvement et de la conscience
Les musiciens connaissent bien le concept selon lequel notre instrument est une extension de nous-mêmes ; d’une certaine manière, l’instrument clé est le soi. Sommet du développement de la motricité électrique de nos types, jouer d’un instrument exige une utilisation extrêmement compliquée du dispositif neuromusculaire. Mais une partie inestimable de l’entraînement d’un artiste consiste à affiner sa capacité à se déplacer avec succès, à ressentir les tensions et à s’adresser encore plus à soi-même tout en faisant de la musique. Sans cet entraînement, nous développons involontairement des pratiques neuromusculaires qui sont physiquement difficiles et augmentent notre susceptibilité aux blessures. Lorsque l’activité est mal agencée, il se produit des pressions qui génèrent une chaleur inutile dans les articulations, avec des cisaillements et diverses autres tensions dans les cellules conjonctives et la masse musculaire.
Reconnaissez qu’il n’y a aucun moyen d’apprendre Local pratique musique Mascouche. Votre musique est localisée lorsque vous regardez en arrière sur ce que vous avez découvert et que vous voyez où vous avez été et voulez être à l’avenir.